只在徐志摩這個名字前加了個「偶然」，便令一個在中國近代史上象徵情聖才子的名字，頓然少了一份氾濫感，平添了一份後現代感。 戲劇總是比歷史更能令人輕易地拋棄理智，心甘情願地滑入那聯想翩翩、但又似是而非的如夢之夢。
憶《偶然．徐志摩》首演
一年前老友Marco相約去看由本地著名藝人馬浚偉改編、導演兼領銜主演的話劇《偶然‧徐志摩》，坦白說當時嘴上答應卻沒太往心裏去，馬浚偉是本地的知名歌手兼電視演員，但畢竟他是一個唱而優則演進入電視屏幕的演員，和許多演藝學院表演本科畢業的演員相比，將他歸作舞台表演的初哥也不為過，所以對這部舞台劇，筆者沒有太多期望，甚至自詡帶這樣的心態去看戲，才算公平。今日看到宣傳得知此戲要重演了，一年前的觀劇體驗浮上心頭，歷歷在目。
猶記得首演當晚踏入演藝學院的大堂，呵好傢伙！冠蓋雲集衣香鬢影，環顧四周看見不少本地名人名媛名伶明星，心想這很正常，商業演出自古都是一個絕好的社交平台，而舞台劇則是近年繼Theme Ball、演唱會、電影首映禮外新興的一個社交平台。而舞台藝術的名義，更容易成為附庸風雅的熱門選擇，很多對舞台劇一知半解的觀眾，因此被帶入了舞台的世界，這對本地戲劇生態多樣化的培養，絕對是好事。
徐志摩的三段情
戲是以中國近代詩人徐志摩一生三段情感經歷為主幹，圍繞他在三段情感中所經歷不同的生命流變，為觀眾呈現一個文學以外的徐志摩。這並不是一個創新的敘事角度，1999年首播、黃磊主演的大陸電視劇《人間四月天》已經將這個故事用20集的篇幅，徹底呈現過一次且反響很大。而這次主創團隊依然選擇這個題材作為進軍舞台的頭炮，如果缺乏實在的內心衝動和文學修養，是絕不敢為的，要知道，如今更多的是以西方現代戲劇為馬首是瞻，已經N年沒人敢碰中國文化名人的題材了，其實這不能作為拒絕陳腐、追求真理的藉口，這更像是一種不諳歷史、文化自卑的氛圍。 光是演出選材這一點，這個製作已經很有聚焦的價值。
戲開演了十分鐘後便印證了筆者的預測：這是一個投資不菲且製作認真的戲。設計講究做工精細的布景，恰到好處地融入了歌劇院的宏大舞台，精美的服裝頭飾讓人懷疑這是否由一眾舞台初哥打造的製作。劇本結構沒有什麼前荒誕、後現代、左切面、右解構，但求直敘卻很是流暢；演員陣容雖然不全具備科班經驗，飾演林徽因的女演員甚至是首次上台初試啼聲，但勝在選角的才藝和氣質上很符合角色的原型，彌補了角色的可信度。有一場戲印象非常深刻，徐志摩在劍橋留學期間為了追求林徽因，找來一條小艇約林徽因泛舟康河，導演居然真的安排了一條1:1比例的遙控小艇，讓男女演員坐在艇中，徜徉在由輕紗和燈光效果營造而成的「河上」，此時原創主題曲《偶然》悠然淡入，徐志摩深情道出經典詩句：「你我相逢在黑夜的海上，你有你的，我有我的方向，你記得也好，最好你忘掉，在這交會時互放的光亮……」
此時極致的浪漫粉碎了所有的舞台假定性，直接透入觀眾內心最柔軟的角落，為徐志摩林徽因二人有違道德規範的舉動，提供了無法抗拒的理由，完美展現了二人的浪漫情懷。但意外的是筆者在散場時聽到有業內觀眾輕聲交談：「做到畫公仔畫出腸，有啲老土喔」（表演太直白了，演得有點老套）。由於職業關係筆者很快明白他們的意思：現代表演要自然，角色不需要演得如此清晰，要留空間給觀眾參與想像。但筆者認為他們忽略了一點：後戲劇劇場裏摒棄表演臨摹的這個理念，不應套用在現實主義戲劇作品，因為牽扯到「歧意理解」的問題，筆者將另外撰文詳細說明。
藝術高於生活
俗話說「歷史是一個任人打扮的小姑娘」，其實Acting（表演）何嘗不是一個任人指手畫腳的小姑娘呢？因為Postdramatisches Theater（後戲劇劇場）更在意表達劇作者對於生活、社會的思考、敘事手法的突破；而表演手段（演技）從來不是Postdramatisches Theater的研究重點，例如，在很多後戲劇劇場，演員全程一言不發在舞台上摸爬滾打，燈光音效才是主角。除了看場刊裏寫的創作意念，或自我代入，否則不要指望能看到任何意圖。同樣，現代戲劇表演不像音樂、舞蹈，要多少懂一點基礎技巧才能做出評論，只要四肢健全、不是啞巴就誰都能對戲劇表演評頭品足一番，很令人過癮。
有人說在香港舞台劇的演員既是幸運的，又是不幸的。幸運的是香港觀眾對主流戲劇的要求還停留在劇本的層面，只要劇本寫得有gimmick （有手法），就已經能大獲口碑臉書瘋傳，而表演、導演的層面，只要達到「看得懂、演得像」的基本要求就可以了。所以某個角度來看，本地舞台劇演員的壓力不大。 但不幸的是，劇壇對於欣賞表演、導演的培養不足，觀眾對表演的要求還是以電影、電視為判斷標準，也就是說只要自然、自然、再自然就是好表演，導致一些經過提煉的表演，正如資深電視演員在舞台上飾演歷史名人，拋開了自己最為拿手的自然主義表演，重新定位角色心態、型態、乃至情懷，並根據表演的空間、時代背景為角色配以濃墨刻畫，反而被貼上了「老土」、「畫公仔畫出腸」的標籤。如果觀眾忽略了製作團隊在選材上勇於冒險的取捨，忽略了演員有意識根據「規定情景」去調整表演尺度、忽略了演員在表演技術上的轉變，那將是不完整的觀劇經歷，是可惜的，因為這種標籤顯然是滯後的審美觀念。
不少人會強調「藝術源自生活」所以愈像生活愈好，卻忘了還有後面一句「藝術需要高於生活」，這句話怎麼理解呢？就是說現實主義作品裏呈現的一切，都應該是經過提煉的，一句台詞、一個轉身、甚至一個呼吸都應該是經過思考和選擇的，不應是演員自然隨意的散發（後戲劇劇場另當別論），如果純粹追求和生活一樣的自然，為何要買票觀賞。只不過，如果演員在舞台上能運用打磨過的下意識（Subconscious）甚至是無意識（Unconscious）去呈現上述心法，令觀眾以為是角色的自然流露，就最好不過了。而所謂的Modern arting 的審美習慣，陳述的其實是上述打磨的部分，並不是說演員應該在舞台上，用自身的無意識去呈現角色的無意識。明白了這個基本概念，就能開始進入欣賞藝術的世界了。
無論如何，信息化年代觀眾的認知無遠弗屆，這類跨界的舞台演出註定將愈來愈多，無論水平如何、口碑如何，都將註定要打破舞台界的慣性審美，對於提升觀眾審美水平，將註定是好事。
